Les plateformes ont révolutionné notre manière de regarder des films et des séries. Ainsi, elles offrent à leurs utilisateurs un accès illimité à un catalogue qui semble quasi infini. De plus, leurs algorithmes ont tôt fait de nous enfermer dans une bulle uniformisée. Nos ados vivent la même chose, et l’idée ici est, à la fois, de leur construire une culture cinématographique, mais également de leur faire découvrir des lieux, des personnages, des émotions, des situations, des périodes, des microcosmes, des sociétés, des mondes et des univers dont ils ne se doutent même pas de l’existence. En somme de leur ouvrir les yeux sur eux-même et les autres ! Voici donc nos recommandations, certes subjectives et non exhaustives, des meilleurs films et séries pour enfants : ados de 13 à 15 ans.
Metropolis (Fritz Lang)
Réalisé en 1927 par Fritz Lang, Metropolis est un film muet d’anticipation qui s’inscrit dans le courant de l’expressionnisme allemand. Il est considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma. Et a marqué l’histoire du genre par sa vision futuriste et sa critique sociale acerbe.
L’intrigue se déroule en 2026 dans une mégalopole futuriste divisée en deux classes distinctes. D’un côté, les puissants maîtres de la ville qui vivent dans les luxueux quartiers supérieurs. De l’autre, les travailleurs qui s’usent dans les usines souterraines. Freder, fils du maître de Metropolis, découvre la misère des travailleurs. Et tombe amoureux de Maria, une femme qui les incite à la révolte.
Adapté du roman éponyme de Thea von Harbou, il dresse un portrait cinglant de la société capitaliste. Et des dangers du progrès technologique incontrôlé. Le film dénonce l’exploitation des travailleurs, l’aliénation et l’asservissement par la machine. Il met en garde contre les dérives possibles d’une société dominée par la technocratie et l’individualisme.
La grande illusion (Jean Renoir)
La Grande Illusion, réalisé par Jean Renoir en 1937, est un film français considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma mondial. Œuvre profondément humaniste, il explore les thèmes de la camaraderie et des classes sociales. Mais également de l’absurdité de la guerre dans le contexte du premier conflit mondial.
L’histoire suit le destin de deux aviateurs français, Maréchal (Jean Gabin) et Boeldieu (Pierre Fresnay). Ils sont capturés par les Allemands pendant la guerre. Ainsi, ils sont envoyés dans un camp de prisonniers dirigé par le commandant von Rauffenstein (Erich von Stroheim). Cet aristocrate allemand est à la fois strict et respectueux. Malgré leurs différences de classe et de nationalité, une certaine camaraderie se développe entre les prisonniers. En effet, ces derniers sont unis par leur condition commune. Le film se distingue par son style visuel raffiné, marqué par de longs plans séquences. Et une utilisation expressive de la lumière et de la composition.
Casablanca (Michael Curtiz)
Réalisé par Michael Curtiz en 1942, Casablanca est un mélodrame considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma mondial. L’histoire se déroule durant la Seconde Guerre mondiale, dans la ville de Casablanca au Maroc. Celle-ci est alors sous contrôle du gouvernement de Vichy. Au cœur de l’intrigue se trouve Rick Blaine, interprété par Humphrey Bogart. Un expatrié américain cynique et désabusé qui dirige une boite de nuit. Son passé resurgit lorsque Ilsa Lund, son ancien amour jouée par Ingrid Bergman, entre dans son établissement. Celle-ci ravive des sentiments longtemps enfouis et le plaçant face à un dilemme moral déchirant. En effet, elle est désormais mariée à Victor Laszlo, un leader de la résistance tchèque.
La meilleure définition de Casablanca reste celle de Lauren Bacall : « On a dit de Casablanca que c’était un film parfait évoquant l’amour, le patriotisme, le mystère et l’idéalisme avec une intégrité et une honnêteté que l’on trouve rarement au cinéma. Je suis d’accord. Des générations se plongeront dans le drame du Rick’s Café Américain. Et au fil du temps, le charme de Casablanca, de Bogey et de Bergman continuera à nous ensorceler. C’est ça, la vraie magie du cinéma ».
Les Enfants du paradis (Marcel Carné)
Les enfants du paradis est un film réalisé par Marcel Carné en 1945. Il est considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma français et du réalisme poétique. L’histoire se déroule dans le contexte du Paris de la bohème et du théâtre populaire, au début du XIXe siècle. Elle suit les destins croisés de plusieurs personnages du monde du spectacle. Il y a là Baptiste Deburau, un mime talentueux mais tourmenté. Garance, une courtisane au passé mystérieux. Frédérick Lemaître, un acteur célèbre et arrogant. Et Nathalie, une jeune femme amoureuse de Baptiste.
Les Enfants du Paradis se distingue par sa richesse visuelle. Ainsi que ses dialogues poétiques signés Jacques Prévert et sa mise en scène inventive. Le film est également remarquable par ses jeux d’acteurs exceptionnels, tels que Jean-Louis Barrault, Arletty, Pierre Brasseur et Maria Casarès.
Les forbans de la nuit (Jules Dassin)
Sorti en 1950, Les Forbans de la Nuit de Jules Dassin s’inscrit comme un classique du film noir. Un genre cinématographique en vogue dans l’Amérique d’après-guerre. Ce film, réalisé en Angleterre, se distingue par son atmosphère sombre et oppressante. Mais également par sa narration captivante et sa critique acerbe de la société londonienne.
Le film suit Harry Fabian (Richard Widmark), un petit escroc à la recherche de fortune et de gloire dans le monde impitoyable des combats de catch londoniens. Son ambition le pousse à organiser un combat un lutteur vieillissant, Gregorius, légende vivante de la lutte gréco-romaine. Cependant, il s’attire très vite les foudres de figures malveillantes du milieu.
Jules Dassin utilise avec brio les techniques du film noir pour créer une ambiance urbaine nocturne oppressante. La photographie en noir et blanc, les jeux d’ombres et de lumières, et la caméra nerveuse contribuent à la tension et au suspense qui ponctuent le récit.
Voyage à Tokyo (Yasujirō Ozu)
Réalisé en 1953 par Yasujirō Ozu, Voyage à Tokyo est un film japonais considéré comme l’un des plus importants de l’histoire du cinéma. Drame intimiste et poignant, il explore les thèmes universels de la famille, du vieillissement et de la communication dans un contexte de mutation sociale.
Un couple de retraités, Shukichi et Tomi Hirayama, quitte sa petite ville côtière pour rendre visite à ses enfants installés à Tokyo. Ils découvrent une vie urbaine trépidante et des enfants trop occupés par leurs carrières et leurs familles respectives pour leur consacrer beaucoup de temps. Seule Noriko, la veuve de leur fils décédé à la guerre, semble réellement heureuse de les voir et leur offre un véritable soutien. Voyage à Tokyo est une peinture subtile et mélancolique des transformations de la société japonaise après la Seconde Guerre mondiale. L’opposition entre la vie traditionnelle paisible à la campagne et l’agitation impersonnelle de la ville symbolise le choc des générations et l’effritement des valeurs familiales. Le film se distingue par la mise en scène minimaliste d’Ozu, caractérisée par des plans fixes, des cadrages symétriques et un rythme contemplatif.
Les Diaboliques (Henri-Georges Clouzot)
Réalisé par Henri-Georges Clouzot en 1955, Les Diaboliques est un film qui s’est imposé comme un classique du cinéma français et un chef-d’œuvre du genre thriller. Le film raconte l’histoire de Christina et Nicole, deux femmes qui s’associent pour tuer Michel Delasalle, le directeur d’un pensionnat privé. Christina est l’épouse de Michel, un homme tyrannique et cruel, tandis que Nicole est sa maîtresse. Unies par leur haine commune, les deux femmes élaborent un plan diabolique pour se débarrasser de Michel.
Les Diaboliques est un film à suspense qui tient le spectateur en haleine jusqu’à la fin. L’atmosphère est sombre et oppressante, et Henri-Georges Clouzot utilise des techniques de mise en scène ingénieuses pour créer un sentiment de tension et d’angoisse.
La mort aux trousses (Alfred Hitchcock)
Réalisé en 1959 par le maître du suspense Alfred Hitchcock, La Mort aux trousses est un thriller d’espionnage. Il est acclamé par la critique et considéré comme l’un des plus grands films de tous les temps. Il raconte les tribulations de Roger Thornhill, un paisible publicitaire new-yorkais. Ce dernier se retrouve pris au piège d’une conspiration internationale. Après avoir été confondu avec un agent secret du nom de George Kaplan. Ainsi, traqué par les autorités et une organisation criminelle, il se lance dans une fuite effrénée à travers les États-Unis. Pour prouver son innocence et démasquer les responsables.
La Mort aux trousses est un film riche en suspense et en rebondissements. Un chef d’œuvre ponctué de scènes devenues cultes. Comme celle de l’attaque de l’avion épandeur, ou la confrontation finale au Mont Rushmore.
Les 400 coups (François Truffaut)
Sortie en 1959, Les 400 Coups de François Truffaut s’est imposé comme une œuvre majeure du cinéma français. Et un film emblématique de la Nouvelle Vague. Ce premier long métrage du réalisateur, alors âgé de 27 ans, a marqué une rupture avec le cinéma traditionnel. Et ouvert la voie à une nouvelle génération de cinéastes.
Le fil raconte l’histoire d’Antoine Doinel, un adolescent en proie à l’incompréhension des adultes et à la solitude. Enfant turbulent et rêveur, il se heurte à l’autorité de ses parents. Et de ses professeurs, qui ne comprennent pas ses aspirations. Ses frasques et ses mensonges le conduisent à la fugue et à l’enfermement dans un centre d’observation pour mineurs.
Spartacus (Stanley Kubrick)
Réalisé en 1960 par Stanley Kubrick, Spartacus s’impose comme une fresque historique grandiose et intemporelle. Le film retrace la révolte d’esclaves menée par Spartacus, un gladiateur thrace, contre la puissance de l’Empire romain.
Le film est porté par une narration puissante, des dialogues percutants et des scènes de combat spectaculaires. Ainsi, Spartacus nous plonge dans l’univers impitoyable des jeux du cirque et de la Rome antique. Le film dépeint avec justesse la cruauté de l’esclavage et la soif de liberté qui anime les personnages. La figure de Spartacus, campé par un Kirk Douglas charismatique, devient un symbole de résistance et d’espoir face à l’oppression.
Le Bal des vampires (Roman Polanski)
Le Bal des vampires (1967) du réalisateur Roman Polanski est une comédie horrifique qui s’inscrit dans la tradition des films de vampires. Tout en la détournant avec humour et ironie. Le film raconte l’histoire du professeur Abronsius, un chasseur de vampires farfelu. Et de son assistant Alfred, qui se lancent dans une traque des créatures de la nuit dans les Carpates.
Le film se présente comme une parodie des films de vampires de la Hammer. Ce studio britannique était connu pour ses productions gothiques et horrifiques. Polanski s’amuse à reprendre les codes du genre, les clichés et les poncifs, pour les exagérer et les tourner en ridicule.
Le prisonnier (série)
Le Prisonnier est une série télévisée britannique créée en 1967 par l’écrivain et ex-agent secret George Marks
